Estructuras Rítmicas en la Improvisación

Basado en el curso Creacion Rítmica, este trabajo es el proyecto final realizado y aprobado por la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid durante el postgrado “Creación e Interpretación Musical” presentado como preámbulo de lo que será una tesis doctoral. Ver mas >>>

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ABSTRACT E INTRODUCCION

ABSTRACT

La partitura ha sido herramienta fundamental en el aprendizaje musical para la mayoría de nosotros. Sin embargo, ésta no nos ofrece ciertos aspectos
interpretativos que sí nos aporta otro músico (pudiera ser el caso del maestro) a través de ejemplos ejecutados directamente sobre el instrumento en cuestión.

La música, como cualquier otro lenguaje, adquiere dimensión cuando se incluyen elementos de intención, gesto, precisión-imprecisión, afinación-desafinación y en definitiva cuando adquiere el carácter humano. Estas cualidades, las cuales el ser humano ha aportado a la música durante toda su historia, hacen que determinados estilos tengan su propio acento y modo de ejecutarse y que al mismo tiempo sea imposible plasmarlos en una partitura, aunque demostraremos que sí, mediante la interacción con otro músico que conozca el mencionado estilo.

El siguiente trabajo plantea una metodología que antepone el aprendizaje musical performativo -por medio de la interpretación e interacción con otro músico- al sistema tradicional de la adquisición de ciertos conocimientos a partir de la partitura, sin desmerecer en absoluto los beneficios de conocer este último, pero sí siendo consciente.

INTRODUCCIÓN

Tras varios años de investigación intentando encontrar respuesta a muchas de las cuestiones que a diario se me presentan, bien como intérprete o como docente, me surgen numerosas reflexiones y posteriores respuestas a las mismas, las cuales voy a exponer en este trabajo que formará parte de mi futura tesis.

 La asimilación de un buen tiempo interno así como el control rítmico de nuestro discurso en la improvisación no son patrimonio exclusivo de los bateristas. De nada nos sirve conocer perfectamente las “leyes gramaticales” de la música si no sabemos utilizarlas para construir frases, no diré bonitas ya que esto es muy relativo, pero sí que al menos se propongan de un modo espontáneo y con cierto criterio desde nuestra cabeza.

Por otro lado, mientras interpretamos estamos muy expuestos a que muchos de estos factores de los que está compuesta la música (tiempo interno, improvisación, ritmo, etc.) se vean afectados por algún cambio puntual en nuestra motivación, estado anímico, estrés, o cualquier otra situación en torno a nosotros, quizá en el momento menos oportuno.

Una correcta metodología en el estudio y control de los conceptos que abordo en este proyecto, nos servirán de gran ayuda para que estas inconveniencias de las que hablo no solo dejen de ser un problema sino que se canalicen y se conviertan, en el mejor de los casos, en las herramientas que nos permitan desarrollar un discurso musical interesante y afín a nuestro estado anímico, en lugar de “boicotearnos” la interpretación.

 Para conseguir esto, en las siguientes páginas propongo una serie de técnicas que si bien no lo son desde el punto de vista físico, sí lo son desde un punto de vista conceptual ya que nos van a permitir adquirir las herramientas necesarias para lo que creo que es uno de los objetivos más importantes como músico de jazz: la unión de nuestro pensamiento con nuestro instrumento, en definitiva, conseguir que suene lo que tenemos en la mente, por cierto, al igual que ocurre en cualquier otro idioma.

Me parece importante abordar temáticas que siendo aparentemente de índole puramente baterística, son sin embargo aspectos a tener muy en cuenta por todos los instrumentistas y que a menudo pasan desapercibidas. Todos conocemos a intérpretes muy virtuosos en cuanto a técnica, velocidad, afinación y lectura a primera vista por ejemplo, pero cuyo discurso musical no aporta algunos de los valores que yo considero de los más importantes y motivadores tanto para el intérprete como para el espectador dentro de la improvisación, como son el uso y desarrollo de motivos tanto rítmicos como melódicos (control del tiempo interno y del ritmo), así como la interacción o diálogo entre el músico “ponente”, es decir, el que está improvisando en el momento, y los músicos que le acompañan.

Considero que alguna de las utilidades creo más importantes de la tesis será el demostrar el proceso de estudio, asimilación, creación y transmisión (educación) de los conceptos rítmicos que pueden definir de un modo contundente el resultado de nuestras creaciones musicales futuras en cualquier campo, además de aportarnos las herramientas necesarias para hacer que la música salga de dentro hacia fuera y no al revés, como tradicionalmente se ha hecho.

 En definitiva, el proceso de asimilación y posterior creación musical de un modo espontáneo e intuitivo estará por encima del hecho de poder leer e interpretar una partitura, por supuesto sin quitar mérito ni importancia a este último, hecho que por supuesto es de suma importancia para un músico, pero teniendo en cuenta que la música es un idioma más, el tratamiento hacia éste debe contener ciertos parámetros como son la expresión, la escucha, la lectura, la adquisición del correspondiente acento (en la música, estilo), la fluidez espontánea de las expresiones, etc.

La aplicación por tanto de esta tesis será tantas como vertientes haya en la música, ya que compositores, instrumentistas, arreglistas, etc. adquirirán unas herramientas importantísimas para su aplicación en el campo que corresponda. Aunque lo fundamental estará en el proceso a seguir para adquirir estos conocimientos y herramientas, el cual no ha sido ni sigue siendo tarea de pocas horas. Por el contrario la base fundamental para el desarrollo de estos conceptos se basa en la inmediata aplicación de los mismos ya desde el primer acercamiento, es decir, desde el momento en que se empiezan a estudiar, en contraste con otros métodos de aprendizaje más tradicionales que se basan en la lectura de una partitura y su posterior interpretación (música de fuera hacia dentro). El punto clave por tanto está basado en lo performativo, ya que solo con la ejecución, bien uno mismo ( creando un entorno rítmico y aplicando un concepto sobre él) o interactuando con otros músicos se consigue el entendimiento y asimilación de dichos conceptos para su posterior uso sea más rápido (y que sirva a modo de ejemplo) aprenderse un ritmo por ejemplo cubano para poder tocar una canción, sin embargo es mucho más provechoso asimilar los conceptos rítmicos y “lingüísticos” sobre los que se construye ese estilo de música, para poder tocar no solo ese ritmo u otros, sino poder tocar lo que de un modo espontáneo queramos (una vez más, al igual que hacemos cuando aprendemos cualquier otro idioma).

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